Presupuesto de La Liga de la Justicia de Zack Snyder

El coste de la cinta original fue de unos 300 millones de dólares. Este nuevo montaje iba a costar entre 30 y 40 millones de dólares, pero finalmente fue superior y se quedó en los 70 millones de dólares.

Ficha artística y técnica de La Liga de la Justicia de Zack Snyder

• Duración: 3 horas, 52 minutos y 29 segundos.
• Fecha de estreno en HBO España: 18 de marzo de 2021.
• Director: Zack Snyder.
• Guionista: Chris Terrio.
• Banda sonora original: Thomas Holkenborg (Junkie XL).
• Reparto y personajes: Ben Affleck (Bruce Wayne/Batman), Henry Cavill (Clark Kent/Kal-El/Superman), Amy Adams (Lois Lane), Gal Gadot (princesa Diana/Mujer Maravilla), Jason Momoa (Arthur Curry/Aquaman), Ezra Miller (Barry Allen/Flash), Ray Fisher (Victor Stone/Cyborg), Jeremy Irons (Alfred Pennyworth), Ciarán Hinds (voz de Steppenwolf), Joe Morton (Silas Stone), Diane Lane (Martha Kent), Connie Nielsen (Hippolyta), Amber Heard (Mera), J.K. Simmons (comisionado James Gordon), Willem Dafoe (Nuidis Vulko), Zheng Kai (Ryan Choi) y Jesse Eisenberg (Lex Luthor).​

Tráiler en español de La Liga de la Justicia de Zack Snyder

https://youtu.be/XAxw9nqvJ9o

Sinopsis de La Liga de la Justicia de Zack Snyder

Superman ha muerto, momento que aprovecha Steppenwolf para buscar y reactivar las Cajas Madre, las mismas que se usaron en el pasado para intentar conquistar el planeta Tierra (suceso que se evitó gracias a una unión entre hombres, dioses del Olimpo, amazonas, atlantes y un integrante de los Linternas Verdes).

Con ello, Steppenwolf persigue satisfacer los deseos de su amo, Darkseid, y ganarse así de nuevo su favor. Cuando la princesa Diana se entera de que la Caja Madre oculta en Temiscira ha sido robada, se pone en contacto con Bruce Wayne, iniciándose entonces la búsqueda de una liga que consiga frenar a los invasores.

Crítica de La Liga de la Justicia de Zack Snyder

Cuando se estrenó en 2017, Liga de la Justicia no cumplió con las expectativas, recaudando 657.9 millones de dólares en todo el mundo y dejando insatisfechos a los que aguardaban con impaciencia la que en teoría iba a ser la respuesta de Warner y DC a Los Vengadores de Marvel.

Personalmente he de decir que, pese a sus evidentes fallos, al menos el filme me pareció entretenido (aunque, desde luego, no aprovechaba todo el potencial de una franquicia que me ha dado incontables momentos de ocio en los últimos lustros).

Su versión extendida, también conocida como el Snyder cut, mejora los puntos flacos de su antecesora, pero lo hace ralentizando en exceso la narración y, por tanto, empeorando de manera considerable su ritmo.

Lo mejor de La Liga de la Justicia de Zack Snyder

Ahora bien, si hay algo en lo que se percibe una evidente mejoría es en la construcción de determinados personajes, sobre todo de Cyborg, que adquiere un protagonismo mucho mayor, y de Steppenwolf (cuyo aspecto visual es distinto, al igual que sus motivaciones).

También me gusta que el tono del filme sea más serio, pues la historia así lo requiere. Los momentos de humor de la versión de Joss Whedon eran un tanto forzados y abarcaban a diversos personajes, mientras que ahora se ciñen principalmente a uno (Barry).

Lo peor de La Liga de la Justicia de Zack Snyder

A pesar de los anteriores puntos positivos, lo siento, pero si alguien precisa de cuatro horas para contarnos la historia de esta película, es que no ha hecho bien su trabajo.

El filme tiene una presentación de personajes excesivamente amplia, prueba evidente de lo fallido que resulta no haber hecho una entrega introductoria para algunos de ellos (tal y como sí hizo en su día Marvel con los miembros de los Vengadores).

Aunque es verdad que en ciertos momentos existe un abuso de la cámara lenta, algo habitual en la filmografía del realizador, también hay que reconocer que los principales pasajes de acción de la cinta son más dinámicos y Snyder se contiene a la hora de introducir sus habituales ralentizaciones.

Pero, en definitiva, me da la sensación de que la Liga de la Justicia se merece una mejor adaptación, y que estos superhéroes se integran en un universo más brillante y no tan lúgubre como el que muestra este director (quien, por cierto, en muchos pasajes peca de cierto afán de trascendencia).

Curiosidades de La Liga de la Justicia de Zack Snyder

Recordad que en estas anécdotas aparecen algunos SPOILERS de la película.

¿Hay escena poscréditos?

No. Existe un largo epílogo, pero está situado antes de los créditos de la película. Esta conclusión está muy bien en su primera mitad, mientras que en la segunda nos presenta un avance de lo que en teoría sería una hipotética continuación de La Liga de la Justicia de Zack Snyder.

Ésta discurriría en el Knightmare, un futuro apocalíptico que también se nos mostró en un sueño que tuvo Bruce Wayne en Batman v Superman: El amanecer de la Justicia.

Personajes nuevos o con mayor presencia

Se muestran personajes que no estaban en el anterior montaje o que aparecían poquísimo, caso de Darkseid (cuya recreación no me satisface), Joker (Jared Leto), Deathstroke (Joe Manganiello), DeSaad (un esbirro de Darkseid), Ryan Choi (Ryan Zheng), Vulko (Willem Dafoe), el Detective Marciano (Harry Lennix) o Iris West (Kiersey Clemons).

Aspectos visuales

La fotografía de la película continúa la línea vista en anteriores trabajos de Zack Snyder. El montaje de Liga de la Justicia era más colorista y no tan sombrío. Hasta Superman aparece con un traje negro...

También cambia el formato de pantalla, pues se utiliza el 1:33:1 de IMAX y, por tanto, en nuestros televisores se asemeja a un 3:4. Es decir, se ve todo más cuadrado y el visionado no es panorámico.

Hay algo de postureo en esta decisión, ya que se percibe con claridad que en muchas secuencias existen zonas superiores e inferiores "vacías". Desde luego, resulta curioso que se apueste por este formato si tenemos en cuenta que La Liga de la Justicia de Zack Snyder sólo se puede ver online.

De igual modo, en HBO se exhibe una versión en blanco y negro, algo también muy llamativo si tenemos en cuenta que Zack Snyder ha optado por enfatizar la sangre en este montaje del director. Pero, en fin, al menos sirve para ocultar las deficiencias de algunos de sus efectos digitales.

Nueva banda sonora original

Adiós a la música de Danny Elfman, en la que, por cierto, escuchábamos los míticos temas de Superman (John Williams) y de Batman (compuesto por él mismo).

Thomas Holkenborg, más conocido como Junkie XL, se ocupa de la nueva música del filme, escribiendo una partitura ruidosa y carente de personalidad que se podría reciclar en esta o en otras películas de acción.

Ahora bien, hay un momento en el que destaca de manera especial, y guarda relación con una secuencia del tramo final de la película en la que Flash cobra un especial protagonismo.

¿A quién está dedicada La Liga de la Justicia de Zack Snyder?

La dedicatoria final de la película hace referencia a Autumn Snyder, que murió en marzo de 2017 a la edad de 20 años. La hija del director Zack Snyder y de la productora Deborah Snyder se sucidió y, como es lógico, este suceso dejó completamente destrozados a sus progenitores.

El director abandonó la posproducción de Liga de la Justicia un par de meses después, ya que no se encontraba en condiciones de lidiar con los directivos de Warner y sus visiones contrapuestas de la película.

Cartel de La Liga de la Justicia de Zack Snyder

Imágenes de La Liga de la Justicia de Zack Snyder

Escuchar gratis la banda sonora de La Liga de la Justicia de Zack Snyder

Taquilla de Mulán

A día 6 de septiembre de 2020, la taquilla mundial de Mulán es de 37.6 millones de dólares. Veamos sus recaudaciones e ingresos en determinados mercados:

• Taquilla España: la película no se estrenó en los cines de nuestro país.
• Taquilla USA: la película no se estrenó en salas comerciales.

Presupuesto de Mulán

Su coste alcanzó los 200 millones de dólares.

Ficha artística y técnica de Mulán

• Duración 1 hora y 55 minutos.
• Fecha de estreno en Disney+ España 4 de septiembre de 2020.
• Directora Niki Caro.
• Guionistas Rick Jaffa, Amanda Silver, Lauren Hynek, Elizabeth Martin.
• Banda sonora original Harry Gregson-Williams.
• Reparto Liu Yifei (Mulán), Donnie Yen (comandante Tung), Gong Li (Xian Lang), Jet Li (emperador de China), Jason Scott Lee (Bori Khan), Yoson An (Chen Honghui), Tzi Ma (Fa Zhou), Rosalind Chao (Fa Li), Xana Tang (Fa Xiu) y Ron Yuan (Sargento Qiang).

Sinopsis de Mulán

Los invasores del norte están poniendo en problemas a China. Debido a ello, el emperador ordena que todas las familias del país aporten un hombre para que se una al ejército en esta cruenta guerra. Dado que Fa Zhou sólo tiene hijas, se ve obligado a sumarse a la contienda a pesar de su evidente deterioro físico. Sin embargo, Mulán, una de sus dos descendientes, no está dispuesta a que su padre fenezca en el campo de batalla, así que toma la espada y la carta de reclutamiento de su progenitor, huyendo así de su hogar y haciéndose pasar por un hombre.

Crítica de Mulán

Disney continúa apostando por las nuevas versiones en imágenes reales de sus clásicos de dibujos animados. No es de extrañar, puesto que le fueron muy bien las cosas con El rey león (aunque en realidad no deja de ser una cinta de animación), La bella y la bestia, Aladdín, Alicia en el País de las Maravillas, El libro de la selva, Maléfica, Maléfica: Maestra del mal y Cenicienta.

De momento, sólo ha pinchado con tres títulos: Dumbo, que tampoco se puede considerar un fracaso absoluto de taquilla, Peter y el dragón y, sobre todo, la secuela Alicia a través del espejo. Con un presupuesto generoso, Mulán parecía que iba a funcionar muy bien desde un punto de vista económico, pero al final la pandemia y el confinamiento se cruzaron en su camino.

Lo mejor de Mulán

El filme se rodó en localizaciones de Nueva Zelanda y China, algo que se percibe en los hermosos escenarios que recorren los personajes (muy bien recogidos por la espléndida fotografía de Mandy Walker, repleta de colorido).

El diseño de producción y el vestuario también están cuidadísimos, aunque es verdad que no sé muy bien por qué este largometraje tuvo un coste tan elevado. La puesta en escena de Niki Caro es más que correcta, destacando en las escenas dramáticas de la cinta (es lo que sucede cuando Fa Zhou, el padre de Mulán, quiere ir a la guerra, o en la reunión familiar de su conclusión).

Otro aspecto a destacar es la labor de la protagonista, Liu Yifei, todo un acierto de casting. Tampoco está nada mal el plantel de intérpretes secundarios, destacando por este orden Tzi Ma, Gong Li, Donnie Yen, Jet Li y Jason Scott Lee.

Lo peor de Mulán

El gran problema de esta película es que no termina de cuajar ni como remake ni como título individual. Por un lado, se vendió como una adaptación de la producción de dibujos animados de 1998 y, aunque guarda muchas similitudes, sólo se pueden considerar como guiños. La realidad es que se aleja en exceso de su espíritu y cambia completamente su estructura.

De hecho, lo meritorio de la Mulán del siglo pasado es que poseía un buen ritmo y sus canciones reflejaban muy bien la personalidad de su protagonista (tal y como sucedía en «Mi reflejo»). Aquí todo eso se omite y las inquietudes de la joven apenas se exteriorizan; es, en definitiva, un personaje que se podía haber construido muchísimo mejor.

No comprendo, pues, la decisión de Disney de alterar tanto esta versión, hasta el punto de que incluso en la banda sonora original son mínimas las referencias a la partitura original (casi da la impresión de que quieran esconderla).

Se decía que el estudio quería hacer una versión más realista, pero este argumento cae por su propio peso cuando introducen a una bruja en la historia. Incluso su clímax es especialmente decepcionante, hasta el punto de que uno no puede hacer otra cosa que preguntarse... ¿ya está?

Me da a mí que lo que ha querido hacer Disney es contentar a la audiencia china, es decir, elaborar una obra que pudiera satisfacer más al público del gigante asiático (y a su gobierno) que a aquel que disfrutó en su momento con la versión animada.

Pero es que, dejando a un lado estas comparaciones, el filme tampoco funciona. En su primera hora existe una preocupante falta de ritmo, echándose en falta una narración más ágil y entretenida. Todo discurre de forma mecánica y sin fluidez, tal y como sucede con el entrenamiento o con la aparición de los villanos (que se incorporan de vez en cuando para simplemente recordarnos que están ahí).

Cartel de Mulán

Imágenes de Mulán

Tráiler en español de Mulán

Cómo ver Mulán gratis y online en Disney+

De momento, únicamente es posible ver Mulán en Disney+ a través del acceso prémium. Ello significa que no sólo tendrás que estar suscrito a esta plataforma y pagar los 6.99 euros que cuesta al mes (69.99 euros en el caso de la opción anual), sino que deberás comprar la película por 21.99 euros. Recuerda que no se trata de un alquiler, es decir, podrás visionarla cuantas veces quieras.

Si quieres saber cuándo se podrá ver Mulán gratis en Disney+ sin tener que pagar el acceso prémium, apunta esta fecha en tu agenda: 4 de diciembre de 2020.

Escuchar gratis la banda sonora de Mulán

Atento a mi crítica de Bloodshot, pues explico qué tal está la nueva película de Vin Diesel. ¿Es un mero vehículo para el lucimiento del actor? ¿Se trata de una decente película de acción o de un entretenimiento vacío y sin nada nuevo que contar? Hablo de ello a continuación...

La carrera de Vin Diesel está claramente ligada a la saga Fast & furious. Cierto que ha intentado abrirse camino con otras franquicias, pero, si bien algunas le han funcionado relativamente bien en la taquilla mundial (xXx: Reactivated), otras se quedaron por debajo de lo esperado (Riddick, El último cazador de brujas).

Con Bloodshot protagoniza la adaptación cinematográfica de una exitosa historieta de Valiant Comics, aunque, obviamente, no tan popular como aquellas en las que aparecen personajes pertenecientes a Marvel Comics o Dc Comics. Por desgracia, el resultado artístico de este proyecto es igual de discreto que el de las películas mencionadas anteriormente...

Sinopsis de Bloodshot

La compañía Rising Spirit Technologies utiliza la nanotecnología para revivir a un soldado llamado Ray Garrison. No sólo lo consiguen, sino que además le otorgan habilidades increíbles. Sin embargo, estos poderes conllevan pagar un precio, puesto que la empresa quiere controlar su mente y sus recuerdos para así hacer lo propio con su cuerpo.

Lo mejor de Bloodshot

Lo mínimo que se le puede pedir a una película es que sea distraída. En general, Bloodshot cumple con ese objetivo y, si uno no se pone muy quisquilloso, al menos puede llegar a pasar el tiempo durante cerca de un par de horas.

El filme presenta un arranque prometedor, pues introduce elementos dramáticos y consigue que nos interesemos por lo que le sucede al protagonista. Asimismo, su conclusión también resulta bastante espectacular y, sin lugar a dudas, se convierte en el mejor pasaje de acción de todo el largometraje.

Bloodshot nos ofrece un reparto variado, con un Vin Diesel en su línea y un Guy Pearce que recicla su interpretación de producciones pasadas. También hay que mencionar a los competentes y televisivos Sam Heughan y Eiza González, o al desaprovechado Toby Kebbell.

Lo peor de Bloodshot

El filme es demasiado convencional, y el guión de Jeff Wadlow y Eric Heisserer se desarrolla por medio de situaciones excesivamente previsibles. Desconozco si en el cómic original sucedía lo mismo, pero, desde luego, su adaptación se trata del arquetipo de un título hollywoodiense (lógico si tenemos en cuenta que uno de sus productores es Neal H. Moritz, que ejerce la misma tarea en la saga Fast & furious).

De hecho, los personajes son meros estereotipos y, salvo en instantes muy breves, carecen de profundidad. Como ejemplo, ahí está Wilfred Wigans, utilizado aquí como alivio cómico (eso sí, con un humor de escasa calidad y que los guionistas no se han esforzado mucho en trabajar).

Salvo en el momento que mencioné con anterioridad, la acción no es nada del otro mundo. Visualmente es correcta, pero no aporta nada que no hayamos presenciado desde hace años en no pocas series de televisión. De igual modo, se asemeja demasiado a la de un videojuego, hasta tal punto que ciertas escenas casi parecen un QTE (Evento de Tiempo Rápido, es decir, aquellos instantes en los que hay que pulsar un botón o tecla que aparece en la pantalla).

Al respecto, se nota muchísimo que su director, Dave Wilson, proviene del mundo del ocio electrónico (ha participado en los tráilers cinemáticos de Halo Wars, Mass Effect 2, Star Wars: El poder de la Fuerza II o BioShock Infinite).

Y, sí, Bloodshot es un vehículo para que Vin Diesel se luzca, porque ya parece un superhombre incluso antes de que se le realice el experimento que le otorgará poderes...

En esta crítica de El hombre invisible te doy mi opinión sobre la última película de suspense y de terror inspirada en la obra literaria de H.G. Wells. ¿Resulta convincente la modernización de este clásico? ¿Existen apuntes originales y sorprendentes? ¿Qué tal están sus pasajes de tensión y cómo se combinan con los efectos especiales?

En 2017, Universal Pictures estrenó La momia, título que en principio estaba llamado a convertirse en el arranque de una franquicia similar a las de Marvel (sólo que con los monstruos que tantos éxitos le han reportado al estudio, caso de Drácula o de Frankenstein).

Uno de estos largometrajes iba a ser una versión de El hombre invisible protagonizada por Johnny Depp, pero el proyecto quedó aparcado tras las decepcionantes recaudaciones de La momia en la taquilla USA (no así en el resto del mundo, donde funcionó bastante bien).

Ahora la idea se ha retomado pero con un presupuesto irrisorio y muy propio del productor Jason Blum (Paranormal activity), quien se ha convertido en todo un maestro del género del terror. A su lado está otro director (Insidious: Capítulo 3) y guionista (Saw) especializado en la materia: Leigh Whannell ¿El resultado? Mejor de lo esperado, pero no del todo convincente.

Sinopsis de El hombre invisible

El novio de Cecilia, un científico millonario, se suicida. El hombre maltrataba a la que fuera su pareja, de ahí que ésta se sorprenda al descubrir que le ha dejado toda su fortuna (siempre y cuando no cometa ningún delito o la declaren mentalmente incapacitada). Al poco tiempo, la mujer comienza a sentir una presencia invisible, sospechando que pueda tratarse de un experimento de su antiguo pretendiente.

Lo mejor de El hombre invisible

Si uno busca una película para distraerse durante un par de horas, entonces El hombre invisible es una elección más que recomendable. No sólo engancha al espectador desde sus minutos iniciales, sino que en todo momento consigue mantenerlo interesado en su desarrollo.

Aunque se nos muestra un terror realista (dentro de su también pertenencia al género de la ciencia-ficción), los sustos se combinan de forma equilibrada con la acción y el suspense, logrando un conjunto verdaderamente compacto y, en general, sólido.

La dirección de Leigh Whannell resulta muy consistente, manteniendo la tensión cuando así se precisa y sorprendiéndonos con los brutales ataques del hombre invisible. Su puesta en escena se podría tildar de clásica, lo que, bajo mi punto de vista, habría que considerarlo como algo positivo.

En cuanto al reparto, Elisabeth Moss lleva a cabo una estupenda labor y nos transmite a la perfección los lógicos temores de Cecilia. De igual modo, también sabe cómo dotarle de determinación y de fuerza cuando el guión así lo establece.

Asimismo, me alegra ver a Aldis Hodge escalando posiciones en la gran pantalla, puesto que me gustaba su trabajo en la serie de televisión Las reglas del juego. En El hombre invisible da vida a un amigo policía de la protagonista y, aunque su interpretación resulta correcta, tampoco le han dado el papel de su vida.

Lo peor de El hombre invisible

Es una pena que una cinta que funciona tan bien, tire parte de sus bondades por la borda al ofrecernos una conclusión que se alarga en exceso. No sólo eso, sino que personalmente creo que lo que hace es destruir al personaje principal y convertirlo en otro distinto.

Apuntar también que existe una evolución un tanto brusca de la historia del filme, pues en su primera mitad va por un camino más sutil y abierto a interpretaciones, pero en su segunda parte lo deja de lado de manera repentina y rompe con los matices y las dudas.

Por último, quisiera añadir otros detalles pequeños pero molestos:

• Al hombre invisible se le dota de unas habilidades físicas que para sí quisieran muchos superhéroes cinematográficos.
• La banda sonora original se vuelve demasiado obvia en los pasajes de tensión.

En mi crítica de La llamada de lo salvaje os comento mis impresiones sobre esta película de aventuras. ¿Los animales son más protagonistas del filme que los humanos? ¿De verdad parecen naturales los perros creados por ordenador?

Echo en falta que Hollywood no produzca más películas de aventuras, un género que gozaba de muchos representantes hace ya más de medio siglo. Lo mismo digo en relación a las adaptaciones de clásicas obras literarias, mucho menos abundantes en la actualidad.

Es por eso que se agradece el estreno de un largometraje como La llamada de lo salvaje, pues se basa en un texto de Jack London, cuenta con un veterano protagonista (Harrison Ford) y, además, se ha invertido mucho dinero en su producción (109 millones de dólares).

Sinopsis de La llamada de lo salvaje

Buck es un perro al que sustraen de sus dueños y lo trasladan desde su cómodo hogar de California hasta los nevados paisajes de Alaska, todo ello durante la fiebre del oro de finales del siglo XIX. Allí se sumará a un grupo de perros de trineo, viviendo numerosas e increíbles aventuras.

Lo mejor de La llamada de lo salvaje

La película es un entretenimiento más que digno, presentando una atinada duración y una equilibrada conjunción de aventuras, emotividad e incluso humor. Está especialmente indicada para el visionado en familia, pues resulta ideal para espectadores de todas las edades (vamos, que no se trata de una trivial propuesta infantil).

Su elevado coste se percibe en todo momento, existiendo una excelente fotografía del oscarizado Janusz Kaminski, un cuidado diseño de producción que hace que nos metamos de lleno en el relato y unos notables efectos digitales.

Al respecto, comentar que, por lo general, los animales lucen realistas, tanto en su fisonomía como en la mayoría de los movimientos y gestos que realizan. Aunque hay detalles que hacen que se perciba con claridad que son criaturas digitales, algo de lo que hablaré más adelante, su presencia no se hace molesta en ningún momento (de hecho, son los verdaderos protagonistas de la cinta).

La dirección de Chris Sanders resulta muy ágil, destacando de manera especial cuando observamos los viajes sobre la nieve del trineo que reparte el correo. Este realizador proviene del mundo de la animación, siendo el responsable de las recomendables Lilo & Stitch, Cómo entrenar a tu dragón y Los Croods.

El guión de Michael Green está bien y, aunque se percibe que se parte de una fabulosa base literaria, hay que señalar que no se trata de una adaptación fiel y que nos encontramos con bastantes cambios con respecto a la obra original.

Harrison Ford destaca de manera especial en lo que al reparto se refiere, siendo incuestionable su carisma y su buen hacer interpretativo. Además, también señalaría el gran trabajo de Omar Sy y Cara Gee, que muestran una gran química en la pantalla. Sorprende, eso sí, el minúsculo papel de Karen Gillan.

Lo peor de La llamada de lo salvaje

Aunque, me reitero, el filme es muy ameno, no puede mantener su intenso ritmo durante todo el metraje. La primera mitad posee una narración más fluida que la segunda, seguramente porque enfatiza mejor los elementos aventureros de la historia.

Respecto a los efectos especiales, personalmente me distrajo bastante que los animales transmitieran emociones humanas, sobre todo cuando La llamada de lo salvaje persigue cierto grado de realismo.

Sinceramente, hubiera preferido que se utilizaran perros reales para primeros planos o tomas sencillas. Obviamente, entiendo que, dada su dureza, ello resultaría imposible y reprobable en las escenas de acción.

Por último, señalar que uno de los personajes no está a la altura del resto. Se trata de Hal, al que Dan Stevens da vida sin excesiva convicción.

Lee mi crítica de Sonic: La película para averiguar si merece la pena darle una oportunidad a esta adaptación del conocido videojuego de Sega. ¿Recrea fielmente algunos de sus personajes y escenarios? ¿Qué tal están los efectos especiales? ¿Es tan mala como aparenta en sus tráilers?

En 1993 se estrenó Super Mario Bros., un horrendo filme que llevaba a la gran pantalla el universo del exitoso videojuego de Nintendo (muy a su manera, eso sí). Apenas un par de años antes, Sega, la por aquel entonces principal rival de dicha compañía, lanzaba Sonic the hedgehog para la consola Mega Drive.

Este juego adquirió una increíble fama y, de hecho, el erizo azul se convirtió en la nueva e indiscutible mascota de Sega. Su aspecto desenfadado y moderno chocaba con la tradicional y un poco anticuada figura de Mario, algo que llamó la atención del público más joven.

Al igual que el cine o las series de televisión, los videojuegos también forman parte de mi vida. Soy de los que precisamente disfrutó en su día de Sonic the hedgehog y sus secuelas, siendo un personaje del que siempre guardaré un agradable recuerdo.

Precisamente por eso, y porque conozco los antecedentes de este tipo de traslaciones, Sonic: La película nunca me inspiró demasiada confianza. Entendería un proyecto así en forma de largometraje de animación, pero... ¿una cinta de imágenes reales? ¡Menudo despropósito! Aunque el resultado es mejor de lo esperado, sus puntos débiles resultan demasiado evidentes.

Sinopsis de Sonic: La película

Un jovencito Sonic se ve obligado a dejar su planeta y a vivir en la Tierra para así salvar su vida. Allí conoce a Tom, quien le ayudará a huir del Dr. Robotnik. Este pérfido individuo quiere hacerse con el supersónico erizo para de este modo controlar sus increíbles poderes (y no precisamente para algo bueno...).

Lo mejor de Sonic: La película

Sabiendo que existen adaptaciones de videojuegos completamente infumables, me es grato comprobar que al menos Sonic: La película se trata de una cinta decente, sobre todo para el público infantil y familiar. Su duración es la adecuada y, en fin, no genera hastío y sopor en el público.

Visualmente no está nada mal, siendo todo un acierto que se haya retrasado su estreno para modificar el aspecto humanoide y semirealista que Sonic lucía en el primer tráiler que se lanzó.

También existen algunos detalles dignos de mencionar. Por ejemplo, me encantó el uso orquestal que se hace del tema central de Sonic the hedgehog cuando aparecen los logos de Paramount Pictures y de Sega. De igual modo, los créditos finales son fabulosos, pues nos resumen la historia del filme en formato de 16 bits.

Lo peor de Sonic: La película

Sin embargo, es evidente que nos hallamos ante una película de trama simplona y guión poco trabajado. Se nota muchísimo que podía ser más imaginativa, sobre todo a la hora de contarnos los orígenes del erizo azul. Vamos, que se desaprovecha una oportunidad de oro para elaborar un fondo argumental más innovador (no digo complejo, pero por lo menos sí más trabajado y no tan desaprovechado).

Es todo, digámoslo así, muy básico: desde la rapidez con la que se nos presenta a Sonic hasta el carácter y el comportamiento de todos los personajes (principalmente humanos). Ahí está el policía que quiere aspirar a algo más en la vida o el villano con complejo de superioridad.

Y hablando del Dr. Robotnik, siento no compartir el entusiasmo de mucha gente hacia la interpretación que Jim Carrey hace de este malvado inventor. Así, repite actuaciones del pasado y, como casi siempre, se muestra histriónico y está un poco pasado de vueltas.

Por su parte, la labor de James Marsden es correcta y se dedica a cumplir con lo que le piden. Además, ya tiene experiencia en esto de interaccionar con amigos digitales, tal y como sucedió en Hop (2011).

Por último, señalar que me parecen exagerados los abundantes guiños y referencias a otros largometrajes, series o cómics. A veces da la impresión de que se introducen por pura vagancia de los guionistas...

En mi crítica de Aves de Presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn) os cuento qué me ha parecido esta película ambientada en el universo de DC Comics. ¿Resultan interesantes sus personajes? ¿Se asemeja su tono al de Escuadrón Suicida? ¿Apabullan sus fragmentos de acción? ¿Engancha la trama?

Parecía que la decepcionante taquilla de Liga de la Justicia (2017) iba a marcar profundamente el devenir del universo cinematográfico DC, hasta el punto de que muchos hablaban de que pronto veríamos un reinicio de todos los superhéroes de la compañía.

Sin embargo, Aquaman (2018) nos dejó a todos patidifusos con sus fastuosas recaudaciones, mientras que Joker (2019) demostró que un mismo personaje puede compartir distintos actores en un espacio de tiempo muy breve. Es decir, al público no parece importarle que existan varias versiones de un mismo sujeto.

Aves de Presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn) comparte el mismo universo de Escuadrón Suicida y, por tanto, de Liga de la Justicia, pero ofreciéndonos un tono distinto y, por tanto, intentando seguir su propio camino (aunque en parte sea imitando a la competencia, en este caso Deadpool).

Sinopsis de Aves de Presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn)

La alocada Harley Quinn deja al Joker de lado y sigue su propio camino, uno en el que conocerá a tres particulares heroínas: Canario Negra, Cazadora y la policía Renée Montoya. Las cuatro intentarán proteger a la jovencita Cassandra Cain de Máscara Negra, un perverso criminal al que le ha robado un preciado diamante.

Lo mejor de Aves de Presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn)

Sin duda, el apartado que más me satisface de Aves de Presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn) es el relacionado con su solvente reparto. Aunque principalmente destacaría la labor de Margot Robbie, expresiva y chiflada en el papel protagonista, el resto de los intérpretes están a la altura.

Del elenco femenino me quedaría con el buen hacer de Jurnee Smollett-Bell, a quien recuerdo de series como Friday night lights o Parenthood. No obstante, tanto Mary Elizabeth Winstead como Rosie Perez realizan trabajos bastante correctos.

Ewan McGregor se lo pasa en grande como el sádico Roman Sionis. A pesar de que este villano está escrito como si fuera una mera caricatura, al menos el actor hace lo que puede para que resulte tan patético como amenazador.

Lo peor de Aves de Presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn)

Está claro que, al concluir su visionado, el filme nos deja con una molesta sensación de vacío. No sólo no aporta nada al género, sino que lo que nos narra es una débil historia que se sustenta en una poco convincente y dispersa presentación de personajes.

La acción no es nada del otro mundo, echándose en falta instantes de cierta espectacularidad. La que hay se basa en buenas coreografías que, sin embargo, no difieren mucho de lo que uno se puede encontrar en determinadas series televisivas de superhéroes.

Se nota un montón que el presupuesto de la película fue inferior a lo habitual en este tipo de producciones de Hollywood, puesto que ni siquiera llegó a los 100 millones de dólares. De hecho, la contienda final resulta sosa y transcurre en un recinto muy cerrado.

Aves de Presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn) es como una desatinado sucedáneo de una cinta de Quentin Tarantino o de Guy Ritchie al que se le ha añadido unos toques muy, muy ligeros de Deadpool.

Sinceramente, hubiera preferido una historia más clásica y apegada a los orígenes tradicionales de estas heroínas.

Lee mi crítica de Las aventuras del doctor Dolittle si quieres saber si merece la pena darle una oportunidad a esta película protagonizada por Robert Downey Jr. ¿De verdad luce en pantalla su abultado presupuesto? ¿Cumple como pasatiempo familiar? Te explico esto y mucho más...

Cuando una película sufre retrasos debido a reescrituras del guión de última hora o al imprevisto rodaje de tomas adicionales, especialmente cuando éstas duran unas tres semanas, es como para echarse a temblar. Eso es lo que le ha sucedido a Las aventuras del doctor Dolittle, que en principio tendría que haberse estrenado en abril-mayo de 2019 pero que finalmente ha llegado a los cines en enero de 2020.

Es verdad que hay producciones hollywoodienses a las que le han sucedido cosas parecidas y luego han triunfado en la taquilla, pero, si un gran estudio estrena un filme que costó 175 millones de dólares en pleno mes de enero, es que no confía demasiado en él.

Pero, ¿se nota tanto que Las aventuras del doctor Dolittle no es una buena película? Porque, así se podría definir a esta cinta, ¿verdad? La respuesta es que, sí, no resulta especialmente brillante, aunque tampoco se merece tantos varapalos como ha recibido...

Sinopsis de Las aventuras del doctor Dolittle

Tras el fallecimiento de su mujer, el doctor John Dolittle se recluye en su mansión. La única compañía que tiene es la de sus animales exóticos. Sin embargo, la reina cae enferma y se ha de buscar una cura en una misteriosa isla. Obviamente, el responsable de encontrarla será él.

Lo mejor de Las aventuras del doctor Dolittle

Si lo mínimo que uno le puede pedir a una película es que al menos resulte distraída, entonces eso es algo que Las aventuras del doctor Dolittle cumple a la perfección. Su reducida duración y el hecho de que siempre suceda algo en la pantalla, ayudan a que la amenidad sea el verdadero soporte de la narración.

Sin duda, también contribuyen a ello sus vistosos efectos especiales, su cuidado diseño de producción, su preciosa fotografía y un esmerado vestuario. Es decir, se perciben en todo momento los 175 millones de dólares del presupuesto.

Además, cuenta con un sólido reparto encabezado por un correcto Robert Downey Jr. y unos atinados intérpretes secundarios. Es el caso de Antonio Banderas, que sale poquísimo, un Michael Sheen que se lo pasa en grande encarnando al villano de la historia, y un siempre eficaz Jim Broadbent.

Lo peor de Las aventuras del doctor Dolittle

Ahora bien, el filme dista de ser redondo. Así, posee un guión excesivamente sencillo, asemejándose su trama a la de un pequeño cuento infantil. Lo mismo se puede decir de sus situaciones, tal y como acontece con su pueril comicidad y con el hecho de que los animales posean la inteligencia de un humano.

Se podría decir que nos hallamos ante una película para críos, si acaso familiar. Esto es no es algo malo, pero sí molestan sus escasas ambiciones, sobre todo si tenemos en cuenta que su director y guionista no es otro que Stephen Gaghan (ganador del Oscar por Traffic y nominado a la estatuilla dorada por Syriana).

En mi crítica de Bad boys for life os hablo de la nueva entrega de esta exitosa saga. ¿De verdad era necesario su regreso a la gran pantalla? ¿Mantienen sus protagonistas la química que tenían hace lustros? ¿Qué tal están las secuencias de acción?

A un título como Dos policías rebeldes hay que reconocerle un mérito: el de consolidar o lanzar la carrera de varios de los que participaron en su producción. Aunque Will Smith ya conocía el éxito gracias a la serie de televisión El príncipe de Bel-Air, con esta película demostró que una estrella de la pequeña pantalla también podía serlo en el cine.

Algo parecido le sucedió a Martin Lawrence, a quien también le iban bien las cosas con la serie Martin y que se hizo un hueco en el mundo de los largometrajes gracias a esta cinta de acción. Incluso a la actriz Téa Leoni le sirvió para darse a conocer, lo mismo que al director Michael Bay (el mismo que más tarde arrasaría en la taquilla con la franquicia Transformers).

Pero, bajo mi punto de vista, Dos policías rebeldes era un filme de baja calidad. Por desgracia, Dos policías rebeldes II no mejoró el asunto y repitió defectos, de ahí que mi interés por Bad boys for life fuera casi nulo. Veamos, ¿nos encontramos de nuevo con un cúmulo de humoradas que de vez en cuando se combinan con algún que otro pasaje de acción? Sí, pero en menor medida...

Sinopsis de Bad boys for life

Pasan los años y los detectives Mike Lowrey y Marcus Burnett tienen otros problemas. El primero da la impresión de que esté atravesando la crisis de la mediana edad, mientras que el segundo... ¡se ha convertido en abuelo! Cuando se presenta una nueva amenaza, Lowrey le pide a Burnett que lo ayude una última vez. A su lado tendrán un grupo de jóvenes agentes con los que chocarán en más de una ocasión...

Lo mejor de Bad boys for life

No voy a negar que la película es de fácil visionado y que, si se toma como lo que es, al menos se puede pasar un rato entretenido. Incluso me parece mejor que sus dos antecesoras, algo que tampoco era demasiado complicado de conseguir.

Por ejemplo, presenta un mayor equilibrio entre la comedia, la acción e incluso el drama, de ahí que no resulte tan cargante y que tampoco haya un exceso de humoradas (siendo éstas más atinadas que en las anteriores entregas de la franquicia).

La excelente química entre Will Smith y Martin Lawrence se mantiene, siendo de agradecer la recuperación del personaje interpretado por Joe Pantoliano. Cabe destacar también el buen hacer de Paola Nuñez y Kate del Castillo.

Lo peor de Bad boys for life

Entre los elementos negativos de Bad boys for life habría que mencionar su folletinesca historia. De hecho, es algo de lo que incluso se burla el propio guión de la película.

Su acción tampoco me pareció nada del otro mundo, careciendo de personalidad la puesta en escena de Adil El Arbi y Bilall Fallah. Lo único positivo es que al menos no resulta tan mareante como la del mencionado Michael Bay.

Su plantel más joven, formado por Vanessa Hudgens, Alexander Ludwig y Charles Melton, poco puede hacer al tener que dar vida a unos agentes cuyo carácter viene definido de forma vaga y arquetípica. Son un mero recurso para recalcar aún más que los protagonistas ya no son unos chavales y que los años pasan para todos (bueno, menos para Will Smith).

Nicky Jam es un mal actor y haría bien en dedicarse sólo a la música, mientras que Jacob Scipio se limita a lucir físico encarnando al hijo de la villana del relato.

Apena, eso sí, que no se recupere a Mark Mancina como responsable de la banda sonora original. Es verdad que Lorne Balfe reutiliza alguno de sus temas clásicos, pero lo hace sin la chispa y sin la fuerza del citado compositor.

Lee mi crítica de 1917 si quieres saber por qué esta película ha recibido tantos premios. ¿De verdad está tan bien dirigida? ¿Es algo más que una cinta bélica? ¿La historia engancha? ¿Los personajes están bien construidos? Sigue leyendo, puesto que respondo a esta y a otras preguntas.

Aunque hay distintos ejemplos de producciones ambientadas en la Primera Guerra Mundial, caso de Senderos de gloria (1957), Gallipoli (1981) o War horse (Caballo de batalla) (2011), lo cierto es que estos títulos no son tan abundantes como los de la Segunda Guerra Mundial (mucho más visitada por el cine).

Sam Mendes, que en su día consiguió todo tipo de loas y premios gracias a largometrajes como American beauty (1999) o Camino a la perdición (2004), es el director de 1917. El responsable de dos de las películas más taquilleras de James Bond disecciona una parte del conflicto bélico y nos presenta un relato en el que la forma cobra un incuestionable protagonismo.

Sinopsis de 1917

A dos jóvenes soldados británicos se les encomienda una complicada misión. Así, han de atravesar territorio enemigo para hacer llegar un mensaje a otro batallón. Si no lo hacen, cientos de sus compatriotas morirán, incluido el hermano de uno de ellos.

Lo mejor de 1917

Varios son los aspectos que destacan de 1917. Por un lado, me encanta su apabullante acabado visual. A través de un encadenado de planos secuencia, la cinta discurre de forma natural y dotando al metraje de un magnífico ritmo.

Además, este recurso nos permite experimentar como propias las vivencias de los protagonistas. Los sentimos más cerca y observamos las cosas desde un punto de vista muy próximo al suyo. Esto ayuda a que las descripciones de los lugares que les rodean sean tan detalladas, algo que ya percibimos en el comienzo de la película, justo cuando observamos las trincheras por las que caminan Schofield y Blake.

La pericia del realizador Sam Mendes a la hora de buscar planos que perduren es increíble. Se nota que se ha esforzado mucho para que la película luzca perfecta y, gracias a ello, algunas de sus escenas se quedarán para el recuerdo de la Historia del Cine. Son, sencillamente, magistrales.

Otros apartados técnicos son también notables, caso de la fotografía, el diseño de producción, el vestuario y los efectos especiales. Desde luego, se han aprovechado muy bien los alrededor de 100 millones de dólares de su presupuesto.

La banda sonora de Thomas Newman es en general minimalista, salvo en momentos muy puntuales (los menos atinados, al menos bajo mi punto de vista). Tan sólo alcanza cotas de gran calidad en el pasaje en el que observamos el inicio de una importante refriega que Schofield ha de sortear.

La labor de los actores George MacKay y Dean-Charles Chapman es realmente buena. El primero lo tiene muy difícil debido a las exigencias físicas de su papel y al hecho de que a veces su personaje se queda absorto en sus pensamientos.

Asimismo, resulta todo un acierto incorporar a reconocidos intérpretes en papeles breves pero trascendentales. Es lo que sucede con las apariciones de, por ejemplo, Colin Firth, Mark Strong, Richard Madden y, sobre todo, Benedict Cumberbatch.

Es verdad que a veces puede parecer que los protagonistas son un poco desangelados y que carecen de emociones, pero esto es así porque están centrados en una misión y quieren cumplirla. No hay tiempo para hablar de cuestiones personales, sólo de sobrevivir.

De hecho, 1917 sí posee sólidos pasajes dramáticos, pero los personajes que los viven saben que tienen que continuar, que hay que seguir adelante. Las heridas están ahí, pero aún no es el momento de exteriorizarlas...

Por supuesto, el filme también invita a la reflexión, y no es difícil sobrecogerse al pensar en las interminables listas de muertos que han provocado las guerras que han acompañado a la humanidad durante el último siglo. A fin de cuentas, Schofield o Blake sólo son un reflejo de los múltiples muchachos cuyas vidas se ven afectadas debido a una cruenta contienda.

Lo peor de 1917

Sin duda, lo que menos me convenció de este largometraje es el abuso que se hace de las situaciones límite. De forma acertada, los guionistas consiguen que siempre suceda algo en la pantalla, pero en ocasiones introducen demasiados elementos que los protagonistas siempre han de esquivar en el último instante.

Esto es algo que se puede aceptar si sucede una única vez, pero, cuando se suman varias tandas de lo mismo, perjudica un poco al conjunto de la obra. Eso sí, que conste que nunca la desmerece...